Considerada la máxima expresión de la canción española, destacó como tonadillera por su gran emotividad y expresividad interpretativa. Lo mejor de su repertorio vino de manos de un mítico trío de compositores (Quintero, León y Quiroga).
Aunque fuera una diva mimada por el régimen de Franco, los roles de mujer fatal, pícara o liberada que aparecían en sus canciones no estaban muy de acuerdo con el orden moral que preconizaba el gobierno, que, sin embargo, no dudó en apropiarse de su obra e imagen con el objetivo de promocionarse en el exterior.
(Roma, 1928-2020) Compositor italiano. Considerado uno de los más grandes autores de música para el cine de todos los tiempos, compuso la banda sonora de más de 400 películas. Su producción, eminentemente cinematográfica, es vastísima y sumamente heterogénea, siempre centro de polémicas, objeto de amores y de odios. En febrero de 2007, y después de cinco nominaciones sin galardón, recibió un Oscar honorífico de la Academia de Hollywood como homenaje a su dilatada carrera.
Hijo de un trompetista y de una ama de casa, Ennio Morricone fue el mayor de cinco hermanos. Su familia, de clase media y afincada en el barrio del Trastevere, vivió durante mucho tiempo sin penurias, pero también sin lujos, únicamente con el sueldo del padre, hasta que la madre probó fortuna trabajando en una tienda de ropa. Curiosamente, en la escuela coincidió con Sergio Leone, quien con el tiempo se convertiría en realizador y para el que el futuro compositor escribiría bandas sonoras.
Morricone fue creador de un estilo, un innovador. Y la prueba más evidente fue la música creada para un nuevo género; Spaghetti western. En 1964 colabora por primera vez con el director Sergio Leone, quien había sido su compañero en la escuela, en la banda sonora del film; ‘Por un puñado de dólares’ (1964). Aquella partitura revolucionó el género de forma inusitada. Armónicas, silbidos, trompetas, guitarras o voces corales.
Un extraordinario coctel que cimentaría una extensa relación entre director y compositor hasta su última colaboración en la película; ‘Érase una vez en América’ (1984).
De igual forma que hubo una gran complicidad entre otros directores y compositores la hubo entre Ennio Morricone y Sergio Leone. Tan estrecha fue la asociación creativa entre el Morricone y Leone que el director una vez lo describió como “un matrimonio como el que solían casarse los católicos antes de las leyes de divorcio”.
Morricone devolvió el complemento diciendo: “Leone quería más de la música que otros directores, siempre le dio más espacio”.
Desde sus comienzos, contó con la colaboración de una voz femenina tan bella como Edda Dell’Orso. Han trabajado juntos en innumerables ocasiones (un total de veintiocho bandas sonoras), lo que le dio a la música del compositor un sello de identidad muy personal. También los inigualables silbidos del músico italiano Alessandro Alessandroni y la harmónica de Franco De Gemini.
El género tiene bandas sonoras inolvidables del compositor como; ‘Por un puñado de dólares’ (1964) ‘La muerte tenía un precio’ (1965) ‘El bueno, el feo y el malo’ (1966) ‘Hasta que llegó su hora’ (1968)
Por ejemplo, los primeros compases de ‘El bueno, el feo y el malo’ (1966), con la armónica y una voz ‘chillona’, se encuentran entre los más instantáneamente reconocibles en la historia del cine. Y sin duda; ‘Hasta que llegó su hora’ (1968) es una de las composiciones más bellas que se han escrito para el género y de su carrera en general.
Rey azúcar es el séptimo álbum de estudio del grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs, publicado en 1995 y grabado en Nasáu, la capital de las Bahamas. Producido por Tina Weymouth y Chris Frantz del grupo Talking Heads, y que contiene participaciones de artistas invitados como Mick Jones del grupo The Clash (en Mal bicho) y Debbie Harry del grupo Blondie (en una versión reggae-ska de Strawberry Fields Forever).
Tanto el nombre del álbum como la canción Las venas abiertas de América Latina son una clara referencia al célebre libro del uruguayo Eduardo Galeano, y es considerado por algunos el disco más punk del grupo por sus canciones de carácter festivo pero a la vez con letras discursivas. El álbum alcanzó platino1 y es considerado uno de los principales álbumes del grupo.
Francisco Rodrígueznace en Andújar (Jaén) y en plena niñez emigra junto a su gente, como tantas familias por entonces, a Madrid en busca de mejores perspectivas económicas en aquella difícil España de principios de los 50. En la capital su única distracción es quitarle la guitarra a su primo e imitar con ella las canciones que oye por la radio.
Hay una historia de mediados de los 60 que conviene aclarar. En algunas biografías se atribuye a Kurt Savoy haber silbado los temas de películas de Sergio Leone con bandas sonoras compuestas por Ennio Morricone como “La Muerte Tenía un Precio” (1965), “El Bueno, el Feo y el Malo” (1966) o “Por un Puñado de Dólares” (1964).
La realidad es que el silbador original es el italiano Alessandro Alessandroni, aunque Kurt va a interpretarlas infinidad de veces en España y Francia, hasta el punto de ser temas obligados en absolutamente todas sus actuaciones.
Encarnación López Júlvez, conocida artísticamente como La Argentinita (Buenos Aires, 3 de marzo de 1898-Nueva York, 24 de septiembre de 1945), fue una bailarina, coreógrafa, canzonetista y bailaora de flamenco hispanoargentina, hermana de la también bailarina y coreógrafa Pilar López Júlvez.
Fue reconocida en vida como la más alta expresión del flamenco de su tiempo.
Hija de inmigrantes españoles en Argentina, donde su padre decidió abrir un negocio de telas. Durante el tiempo que la familia residió en este país, dos de los hijos fallecieron a causa de una epidemia de escarlatina, por lo que decidieron volver a España en el año 1901, cuando aún era una niña. Su familia desarrolló un gran interés por el mundo del flamenco, lo que supuso el despegue artístico de Encarnación.
Con tan solo cuatro años, se inició en el mundo del baile junto a su instructora Julia Castelao. Su primera actuación en público fue con ocho años en el Teatro-Circo de San Sebastián. A partir de ese momento se la conoció por La Argentinita para distinguirla de la también célebre Antonia Mercé quien recibió el nombre de La Argentina.
Después de recorrer España como niña prodigio, recaló en Madrid, trabajando en el Teatro La Latina, Teatro de la Comedia, Teatro de La Princesa, Teatro Apolo y el Teatro Príncipe Alfonso. Conjugaba el flamenco, el tango, las bulerías y los boleros, en una suerte de mezclas que resultaron una novedad en su época.
María Paz Gascón Cornago nació en Zaragoza el 3 de Noviembre de 1923. Sigue siendo una leyenda 75 años después de su muerte, tanto como lo fue en vida.
Una artista precoz que desde sus primeros pasos sobre el escenario encandiló al público.
Su talento como bailarina, cantante y actriz la situó como una de las estrellas de la época con mayor proyección.
Sin embargo, en pleno éxito, con apenas 22 años cumplidos, falleció víctima de septicemia.
Fue contemporánea de figuras de la copla como su amigo Miguel de Molina; compartió escenario con la gran Concha Piquer, Estrellita Castro, la Niña de los Peines o la entonces debutante Lola Flores.
Dominaba con maestría la danza clásica y todo tipo de bailes.
Siempre se consideró una bailarina apasionada de la danza, aunque cultivó otras disciplinas como el canto, el teatro y el cine.
En la pantalla fue pareja artística de Juan de Orduña en el filme ‘Leyenda rota’ (1939),
y actuó en un total de cuatro películas. Sobre las tablas: ‘Muerte de la petenera’, ‘Cabalgata’ o ‘Cancionero’ fueron algunos de sus montajes más celebrados.
En Madrid estuvo en cartel más de un mes y en los Teatros Argensola e Iris de Zaragoza fue toda una sensación a comienzos de la década de los 40, como reflejan las crónicas de la época.
La niña Mari Paz se presentó en el Teatro Parisiana, (sala que más tarde se llamaría Argensola) el 2 de julio de 1929.
Fue en el intermedio, al compás de la Orquesta Nueva York, “tomando parte en los bailables la saladísima bailarina María Paz Gascón, futura y diminuta ‘estrella’ de cuatro años”, como anunciaban los carteles de la época.
Bailaba todos los estilos y con solo 12 años actuó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Bailaba con maestría al ritmo de piezas de Beethoven, Chopin, Granados o Sarasate con igual destreza que las composiciones de Quintero, León y Quiroga.
Con solo 22 años ya había hecho numerosas giras por toda la geografía, había actuado en varias ocasiones ante Franco, en recepciones en el Palacio de la Granja y en el Palacio de Oriente.
Fue contemporánea de Imperio Argentina, Concha Piquer, Juanita Reina, Estrellita Castro, Pastora Soler, Miguel de Molina, Mario Gabarrón, Roberto Rey…
A mediados de los 40 su carrera era imparable: iba a hacer las Américas, viajar a Londres, rodar junto a Juan de Orduña ‘La Lola se va los puertos’ (le sustituiría Juanita Reina). En marzo de 1946, tras varios meses de trabajo sin descanso, Mari Paz contrajo una enfermedad que le provocó una fiebre intensa y tuvo que volver a su casa de Madrid.
Al día siguiente falleció, un 12 de marzo de 1946.
María José Llergo, es una de las cantantes del momento gracias a su sonido flamenco, que está siendo revitalizado por artistas como Rosalía y María Peláe. La andaluza ha conseguido colarse en casa de millones de personas gracias a televisión. Repasamos su edad, su pareja y paso por ‘La Voz‘y el anuncio en el que una conocida marca de cerveza resucitó a Lola Flores.
Nacida en la localidad cordobesa de Pozoblanco, famosa por ser el lugar de la trágica muerte del torero Paquirri, la artista comenzó su amor por la música gracias a sus abuelos, que le enseñaron a cantar mientras labraban en el campo, labor en la que les acompañaba.
Fue en el año 2018 cuando comenzó a tener cierta relevancia en el mundo musical con su tema ‘Niña de las dunas’, en la que colaboraba junto a guitarrista Marc López. Un año después lanzó ‘Me miras, pero no me ves’, en la que intenta dar voz a colectivos desfavorecidos.
2020 fue el año de su gran oportunidad, cuando sacó a la venta su EP llamado ‘Sanación’ con el que María José Llergó consiguió ganarse a la crítica gracias a su estilo basado en el flamenco, pero en el que consigue dar una vuelta de tuerca al sonido tradicional.
Jaime García Morey es un cantante español nacido el 16 de Junio de 1942 en Alicante, España. Durante la década de 1960 y 1970 gozó de mucho éxito en España, con canciones y estética clásica y melódica.
Su primer gran éxito fue “Rosita”.
En 1964 quedó segundo en el Festival de Benidorm con "El barco, el mar y el viento". Repetiría en este mismo festival en 1967 con "Las mañanitas".
En 1971 participa en el concurso de TVE "Pasaporte a Dublín" y en 1972 representaría a España en el Festival de la Canción de Eurovisión en Edimburgo con "Amanece", de Augusto Algueró quedando en el décimo puesto.
En 2001 se vio salpicado por el escándalo financiero de Gescartera. Su hija,Sandra Morey, es presentadora de televisión.
En 1972, a través de su amigo Jordi Arqué, el trío conoce a Rafael Gil que llevaba los negocios de EMI en Barcelona. Graban una maqueta en los estudios de la discográfica y enseguida se convencen que el trío tiene grandes posibilidades, derivándolos a su sello filial Harvest. Su primer sencillo como Santabárbara, "Charly" (Harvest, 1973), trae en la cara A “Charly”, que ya formaba parte de aquella maqueta inicial.
La historia de la paloma “Charly” es la de una de las mejores baladas españolas de todos los tiempos. El éxito es arrollador. Entre enero y febrero de 1973 ocupa el nº 1 de ventas durante cuatro semanas, además de liderar otras tres semanas la lista de Los 40 Principales.
El disco es una de las bazas españolas en el festival MIDEM de la industria europea del disco y obtiene también importantes ventas en otros países, especialmente en Alemania.
El estilo de aquellos primerizos Santabárbara es el de un pop de cantautor con fuertes influencias acústicas. Un estilo muy personal emparentado lejanamente con otros grupos renovadores de aquellos primeros 70 como Víctor y Diego, José y Manuel o Solera. Claro que eso es si nos fijamos en las caras A. Pero en la trasera de sus sencillos, ellos se explayan con descargas rockeras.
Tras el monumental bombazo de su debut, Santabárbara edita nuevos discos en la misma línea y se lanza a la carretera con un formato de trío básico (guitarra, bajo, batería y voces). Una apuesta arriesgada en los directos que sostienen gracias a su sólida formación y experiencia.
Sus temas primeros no pueden ser más sencillos: su voz sin coros ni artificios, su guitarra y ocasionalmente algo de percusión y un discreto contrabajo. El propio José Luis agregaba a veces algún efecto de canción a boca cerrada o silbaba.
Todo grabado en un magnetofón de bobina en una sola pista y de tirón. Es fácil imaginar al oírlas un grupo de jóvenes cantando en una reunión alrededor del fuego o en cualquier parque.
Durante 1959 sigue publicando discos en los que reúne temas con reminiscencias sudamericanas y baladas.
Discos que alimentan los escasos tocadiscos existentes y que se oyen a todas horas en aquella radio en blanco y negro del franquismo. Canciones como “Destinos paralelos”, “La última copa” o “La plana de San Antón”. Pero su segundo hit monumental vendrá con el EP: “Señorita Luna / Yo Siento Como tú / Escríbeme / Italiano” (Philips, 1959).
En julio de aquel año José Luis y Mari Carmen se casan y se van al cine, pues José Luis protagoniza la película: “Pasa la Tuna” (José María Elorrieta, 1959). Entre tanto, sus discos se editan con notable éxito en Argentina y otros países.
El grupo español Continuados, tuvo una de las mejores voces del pop español de los años 70´s.
Quinteto barcelonés, aunque dos de sus componentes eran argelinos, comandado por la vocalista Mónica Domínguez (06-2011), quienes grabaron para el desaparecido Sello Bélter numerosos singles y un solo LP.
Posteriormente se reduce a un trío.
En Perú, se les conoció por el tema "Volverás”, cover en español de la composición del grupo italiano I Santo California titulada "Torneró" (Vuelvo), la cual pertenece a su última etapa.
La versión masculina del tema se dio en la voz de Diego Verdaguer con el nombre de "Volveré".
Tuvieron canciones muy conocidas como: "Pintar la Lluvia", "Hoy duerme el león" y "Leña de quemar".
